今年还剩一点尾巴 可以看这几场时尚展览度过

　　纽约时装技术学院博物馆（FIT）和大都会艺术博物馆（MET）近年来都在办展上十分积极，MET的风格是以馆藏多且珍贵著称，而FIT则很会独辟蹊径。继之前展示了人体和建筑的关系后，FIT将于12月6日开放的展览则陈列的是美国时装史上的无名英雄。

　　得益于一次群体性呈现作品的机会，FIT还邀请了一些美国以外的非洲裔设计师加入其中。这个展览主题的灵感来源于FIT的助理策展人Ariele Elia，她曾在2014年去过普瑞特学院参观一场小黑裙展览，那时普瑞特就展出了10个纽约非裔时装设计师的作品，可是Ariele发现，她几乎都不认得他们的名字。回到FIT后，她翻出了馆藏记录发现原来有这么多的作品被忽视了。

　　这不是FIT第一次为非洲裔美国人办展。早在1992年，Harold Koda就策划过一场类似的展览，Koda在采访中说道：“听到奴隶拥有漂亮披肩不会让我惊讶，而如果只是一块白棉布，我相反会觉得我值了。”

　　如果FIT的展览立意新颖，那么MET的展览则噱头不小，因为它要展出的是号称几十年来最好的杰作，主题是“Masterworks：Unpacking Fashion”，将有从18世纪至今的60个作品入选——这着实难度很大，要知道一个设计师一季就差不多要出40个左右的新款。

　　策展人Jessica Regan说，每个作品都将展现”它所代表的时代最鲜活的一面”，而当它们一起时，则会反映出时尚作品是如何定义历史的。18世纪，时尚最在乎的东西是面料和表面的饰品，到了19世纪，纺织条件改良后，人们就开始追求更复杂的技术，比如如何把金属、莱茵石等和蝴蝶刺绣在一起等等。20世纪的时尚则更多以风潮为导向，人们竭力寻找不同的方式表达衣着和自我主张，比如Yves Saint Laurent在1960年推出的街头灵感夹克和三宅一生的塑料紧身胸衣均属于这一类。

　　和往年单纯呈现产品的奢侈品展览不同，这场展览的风格更偏向于装置艺术。Gucci的创意总监Alessandro Michele邀请了4个国际艺术家来各自布置一个房间，主题分别为“Gucci Words”、“Gucci Herbarium”、“Gucci Garden”、“Gucci Ghost”。

　　其中的Herbarium是欧美媒体报道最多的作品，它由日本艺术家盐田千春创作，这位常年旅居柏林的艺术家最擅长的是“创伤型艺术”。小的时候，盐田目睹过邻居家的大火，这段经历对她来说刻骨铭心。而在后来的创作中，盐田多次用烧过的东西布展，还喜欢用棉线把它们缠起来，以此构建出一种在痛苦中作茧自缚的压抑感。本次创作中，盐田也把Gucci的包袋、桌椅板凳、床缠在了密密麻麻的红色丝线中，远看像是枝枝蔓蔓的花丛，近看则像血管和人体神经，或是蜘蛛网，这种明媚又哀伤的气质和Michele的作品也很契合。

　　而Words房间则像一个多维度的浮世绘空间，充满了日本传统神话图像和蚊子，Garden则是包含了昆虫、植物、日本漫画人物的杂乱厂房，Ghost自然是由和Gucci合作的布鲁克林涂鸦艺术家Trouble Andrew创作。这四个房间将一直开放到11月27日，不能亲临现场的人们也可以浏览Gucci 4 Rooms的官网看视频。